Terry O’Neill es uno de los fotógrafos más coleccionados del mundo, y sus obras se exponen en galerías de arte nacionales y colecciones privadas de todo el mundo. Desde presidentes hasta estrellas del pop, lleva más de seis décadas fotografiando a las figuras más destacadas del mundo del espectáculo.

O’Neill comenzó su carrera a principios de la década de 1960. Mientras otros fotógrafos se centraban en los terremotos, las guerras y la política, O’Neill se dio cuenta de que la cultura juvenil era una noticia de última hora a escala mundial y comenzó a retratar a las nuevas figuras del cine, la moda y la música que acabarían definiendo los «Swinging Sixties». En 1965 ya recibía encargos de las revistas y periódicos más importantes del mundo.

Ningún otro fotógrafo vivo ha abarcado un abanico tan amplio de personajes famosos, captando a los iconos de nuestra época, desde Winston Churchill hasta Nelson Mandela, desde Frank Sinatra y Elvis hasta Amy Winehouse, desde Audrey Hepburn y Brigitte Bardot hasta Nicole Kidman, así como a todos los James Bond, desde Sean Connery hasta Daniel Craig.

Fotografió a The Beatles y a The Rolling Stones cuando aún eran bandas jóvenes que luchaban por abrirse camino en 1963; fue pionero en la fotografía de reportaje entre bastidores con David Bowie, Elton John, The Who, Eric Clapton y Chuck Berry, y sus imágenes han adornado álbumes históricos de rock, carteles de cine y portadas de revistas internacionales.

Originario de París, Francia, Roman Feral se ha labrado un nombre en el panorama internacional del arte contemporáneo. Su obra rinde homenaje a las marcas de lujo y pone de relieve la belleza de la naturaleza, inspirándose en los códigos de la industria de la moda y en su bagaje cultural.

Al más puro estilo de un auténtico alquimista, Roman busca plasmar la sensación de refinamiento y la esencia más preciada de los iconos del lujo, seleccionados a mano, mediante una de las joyas más delicadas de la naturaleza: las mariposas. Al hacerlas volar, crea la ilusión de un vuelo infinito, en equilibrio y suspendidas de tal manera que otorga a las delicadas mariposas la vida eterna.

En 2020, presentó su primera escultura de bronce, creada en colaboración con la prestigiosa fundición Bocquel Art, que cuenta con una larga trayectoria de colaboración con maestros modernos como César y Arman. Cada pieza, única en su género, presenta mariposas de bronce dispuestas con gran minuciosidad. Los icónicos artículos de moda utilizados se recrean con el máximo detalle. El resultado final requiere más de 90 horas de pulido a mano y más de 30 kilos de bronce para su realización.

Exhibió su primera colección en Art Basel Miami Beach en 2018, lo que le valió el reconocimiento internacional de coleccionistas y profesionales del sector, lo que a su vez le abrió las puertas a exposiciones en las galerías más destacadas de todo el mundo. Roman Feral también cuenta con el reconocimiento de las marcas más prestigiosas del sector del lujo: CHANEL adquirió su escultura «Coffre Chanel Azur» y la incorporó a su colección privada y a su patrimonio.

La historia de un talento comenzó tras la caída del Muro de Berlín. A través de su llamativo simbolismo, Michael Moebius aporta una nueva dimensión a los iconos de la cultura popular, añadiendo pompas de chicle de colores vivos a retratos monocromáticos y creando una nueva forma de transmitir emociones.

Michael Moebius vino al mundo en 1968, en Alemania. Tras desarrollar su amor por el arte desde muy temprana edad, el cómic se convirtió en su primera pasión. Sin embargo, en la entonces Alemania Oriental comunista, lo habitual era dedicarse a actividades más pragmáticas. El arte tendría que quedar en un segundo plano mientras cursaba sus estudios, y Michael se decantó por una carrera en ingeniería y construcción. Fue durante un periodo en el que trabajaba en un campo afín, el de la ilustración arquitectónica, cuando Michael se topó con un libro que recogía las ilustraciones de Alberto Vargas. Así surgió una nueva pasión, y Michael decidió que el arte figurativo sería el trabajo de su vida.

Comenzó a estudiar pintura en la Academia de Bellas Artes de Dresde y, en 1998, dio un gran salto adelante. Fue en esa época, tras la caída del Muro de Berlín, cuando Michel pudo viajar a Estados Unidos. Su talento como pintor y fotógrafo saltaba a la vista, y rápidamente se convirtió en uno de los artistas más solicitados por los coleccionistas. Michael ya ha participado en importantes exposiciones por todo Estados Unidos. Entre sus coleccionistas y editoriales se encuentran Playboy, Procter & Gamble, Laura Biagiotti, Vogue, Vanity Fair, Superyacht Digest y otras empresas de renombre.

Su trabajo también ha llamado la atención de famosos como Mel Gibson, Paris Hilton, Hugh Hefner, Rihanna, David Guetta y Gene Simmons, líder del grupo KISS.

Michael Moebius demuestra un enorme talento a la hora de darle la vuelta al arte pop y a la cultura popular. Hoy en día, Moebius se ha convertido en uno de los artistas contemporáneos más reconocidos y solicitados del mundo. Sus ya famosos retratos «bubble gum» se han convertido en los favoritos de diseñadores de interiores e inversores de todo el mundo gracias a su llamativo simbolismo.

A diferencia de sus pompas de chicle, el valor del artista sigue aumentando y no da señales de desinflarse. Las habilidades comerciales de Moebius y sus colaboraciones con algunas de las figuras más populares del mundo lo convierten en un nombre de peso en el mundo de la inversión en arte.

Lo más destacado es que Michael Moebius aporta una nueva dimensión a los iconos de la cultura popular, añadiendo pompas de chicle de colores vivos a retratos monocromáticos. Marilyn Monroe, Audrey Hepburn y Su Majestad la reina Isabel han sido reinterpretadas con este estilo, hasta su última obra («All you need is gum»), en la que representa a los cuatro Beatles con sus características pompas de chicle.

En cuanto a sus influencias artísticas, Moebius cita como fuentes de inspiración al artista renacentista italiano Tiziano y al genio barroco Caravaggio, así como a figuras más contemporáneas como Andy Warhol, Pablo Picasso y Alberto Vargas.

Su original interpretación de temas muy recurrentes convierte las obras «bubblegum» de Moebius en una de las opciones favoritas para la inversión en arte. Su arte también sirve como una ventana a su personalidad y su visión creativa.

Lo más interesante es el contraste entre los ideales comunistas que influyeron en el artista (Michael nació en 1968, cuando Alemania aún estaba dividida en dos por el Muro de Berlín) y los valores occidentales y la cultura popular.

Moebius tomó conciencia de las diferencias culturales entre su país y el resto del mundo, y esta incongruencia desempeña un papel importante en su arte actual.

«Casi todos los artículos que recibíamos de la parte occidental del mundo, como revistas, juguetes o latas de refresco, estaban prohibidos en Berlín Oriental. De niño, mientras crecía, me aferraba con cariño a esos objetos que entonces estaban prohibidos… Me marcaron mucho con sus colores, diseños y aromas».

Cuanto más se le presionaba a Michael Moebius para que se ajustara a los ideales comunistas, más se enamoraba de la cultura popular occidental y más se sentía impulsado a crear. Tras su alistamiento en el ejército de Alemania Oriental y, posteriormente, la caída del Muro de Berlín, viajó a Estados Unidos para dedicar su vida por completo al arte.

La historia de un talento comenzó tras la caída del Muro de Berlín. A través de su llamativo simbolismo, Michael Moebius aporta una nueva dimensión a los iconos de la cultura popular, añadiendo pompas de chicle de colores vivos a retratos monocromáticos y creando una nueva forma de transmitir emociones.

Michael Moebius vino al mundo en 1968, en Alemania. Tras desarrollar su amor por el arte desde muy temprana edad, el cómic se convirtió en su primera pasión. Sin embargo, en la entonces Alemania Oriental comunista, lo habitual era dedicarse a actividades más pragmáticas. El arte tendría que quedar en un segundo plano mientras cursaba sus estudios, y Michael se decantó por una carrera en ingeniería y construcción. Fue durante un periodo en el que trabajaba en un campo afín, el de la ilustración arquitectónica, cuando Michael se topó con un libro que recogía las ilustraciones de Alberto Vargas. Así surgió una nueva pasión, y Michael decidió que el arte figurativo sería el trabajo de su vida.

Comenzó a estudiar pintura en la Academia de Bellas Artes de Dresde y, en 1998, dio un gran salto adelante. Fue en esa época, tras la caída del Muro de Berlín, cuando Michel pudo viajar a Estados Unidos. Su talento como pintor y fotógrafo saltaba a la vista, y rápidamente se convirtió en uno de los artistas más solicitados por los coleccionistas. Michael ya ha participado en importantes exposiciones por todo Estados Unidos. Entre sus coleccionistas y editoriales se encuentran Playboy, Procter & Gamble, Laura Biagiotti, Vogue, Vanity Fair, Superyacht Digest y otras empresas de renombre.

Su trabajo también ha llamado la atención de famosos como Mel Gibson, Paris Hilton, Hugh Hefner, Rihanna, David Guetta y Gene Simmons, líder del grupo KISS.

Michael Moebius demuestra un enorme talento a la hora de darle la vuelta al arte pop y a la cultura popular. Hoy en día, Moebius se ha convertido en uno de los artistas contemporáneos más reconocidos y solicitados del mundo. Sus ya famosos retratos «bubble gum» se han convertido en los favoritos de diseñadores de interiores e inversores de todo el mundo gracias a su llamativo simbolismo.

A diferencia de sus pompas de chicle, el valor del artista sigue aumentando y no da señales de desinflarse. Las habilidades comerciales de Moebius y sus colaboraciones con algunas de las figuras más populares del mundo lo convierten en un nombre de peso en el mundo de la inversión en arte.

Lo más destacado es que Michael Moebius aporta una nueva dimensión a los iconos de la cultura popular, añadiendo pompas de chicle de colores vivos a retratos monocromáticos. Marilyn Monroe, Audrey Hepburn y Su Majestad la reina Isabel han sido reinterpretadas con este estilo, hasta su última obra («All you need is gum»), en la que representa a los cuatro Beatles con sus características pompas de chicle.

En cuanto a sus influencias artísticas, Moebius cita como fuentes de inspiración al artista renacentista italiano Tiziano y al genio barroco Caravaggio, así como a figuras más contemporáneas como Andy Warhol, Pablo Picasso y Alberto Vargas.

Su original interpretación de temas muy recurrentes convierte las obras «bubblegum» de Moebius en una de las opciones favoritas para la inversión en arte. Su arte también sirve como una ventana a su personalidad y su visión creativa.

Lo más interesante es el contraste entre los ideales comunistas que influyeron en el artista (Michael nació en 1968, cuando Alemania aún estaba dividida en dos por el Muro de Berlín) y los valores occidentales y la cultura popular.

Moebius tomó conciencia de las diferencias culturales entre su país y el resto del mundo, y esta incongruencia desempeña un papel importante en su arte actual.

«Casi todos los artículos que recibíamos de la parte occidental del mundo, como revistas, juguetes o latas de refresco, estaban prohibidos en Berlín Oriental. De niño, mientras crecía, me aferraba con cariño a esos objetos que entonces estaban prohibidos… Me marcaron mucho con sus colores, diseños y aromas».

Cuanto más se le presionaba a Michael Moebius para que se ajustara a los ideales comunistas, más se enamoraba de la cultura popular occidental y más se sentía impulsado a crear. Tras su alistamiento en el ejército de Alemania Oriental y, posteriormente, la caída del Muro de Berlín, viajó a Estados Unidos para dedicar su vida por completo al arte.

Christopher «Flore» Florentino es un artista originario de Brooklyn cuyo arte contemporáneo destaca por el uso de colores vivos, la energía urbana y composiciones con múltiples capas emocionales. Conocido profesionalmente como «Flore», su objetivo es tender un puente entre la cultura callejera y la abstracción modernista, con obras dinámicas que rebosan ritmo, memoria y movimiento; su obra evoluciona constantemente y sigue traspasando los límites. 

El estilo «cubista urbano», característico de Flore, plasma el caos y el carácter de Nueva York, mientras que sus abstracciones modernistas se basan en la emoción, la reflexión y el equilibrio. Estas obras rinden homenaje a artistas como Rothko, Twombly y Mitchell, sin dejar de reflejar el estilo inconfundible de Flore.

Su obra ha recibido elogios a nivel mundial. Sus obras forman parte de las colecciones de celebridades como Beyoncé y Audemars Piguet; ha participado en la Bienal de Venecia y ha colaborado con múltiples marcas de lujo. Flore trabaja actualmente entre Los Ángeles y Miami, y su obra se puede adquirir en exclusiva en la galería Art Angels, con sedes tanto en Los Ángeles como en Miami.

Terry O’Neill es uno de los fotógrafos más coleccionados del mundo, y sus obras se exponen en galerías de arte nacionales y colecciones privadas de todo el mundo. Desde presidentes hasta estrellas del pop, lleva más de seis décadas fotografiando a las figuras más destacadas del mundo del espectáculo.

O’Neill comenzó su carrera a principios de la década de 1960. Mientras otros fotógrafos se centraban en los terremotos, las guerras y la política, O’Neill se dio cuenta de que la cultura juvenil era una noticia de última hora a escala mundial y comenzó a retratar a las nuevas figuras del cine, la moda y la música que acabarían definiendo los «Swinging Sixties». En 1965 ya recibía encargos de las revistas y periódicos más importantes del mundo.

Ningún otro fotógrafo vivo ha abarcado un abanico tan amplio de personajes famosos, captando a los iconos de nuestra época, desde Winston Churchill hasta Nelson Mandela, desde Frank Sinatra y Elvis hasta Amy Winehouse, desde Audrey Hepburn y Brigitte Bardot hasta Nicole Kidman, así como a todos los James Bond, desde Sean Connery hasta Daniel Craig.

Fotografió a The Beatles y a The Rolling Stones cuando aún eran bandas jóvenes que luchaban por abrirse camino en 1963; fue pionero en la fotografía de reportaje entre bastidores con David Bowie, Elton John, The Who, Eric Clapton y Chuck Berry, y sus imágenes han adornado álbumes históricos de rock, carteles de cine y portadas de revistas internacionales.

David Drebin, fotógrafo y artista multidisciplinar de renombre internacional afincado en Nueva York, es conocido por crear espectaculares imágenes de motivos deslumbrantes, entre las que se incluyen fotografías que cuentan una historia, escenas voyeurísticas con personas y paisajes urbanos oníricos que evocan emociones, perspectivas psicológicas y reflexiones profundas sobre la propia imaginación y las experiencias de los espectadores.

Su obra suele describirse como épica, espectacular, dramática, cinematográfica, onírica, imaginativa, inteligente, sensual, elegante, inesperada y, a veces, incluso divertida; ofrece algo para todos los gustos, ya que atrae tanto a los nuevos amantes del arte como a los coleccionistas más sofisticados.

Licenciado por la Parsons School of Design, David comenzó su carrera en la fotografía comercial y pronto se labró un nombre al adentrarse en el mundo de las bellas artes contemporáneas. Su visión única, su profundidad característica y sus imágenes, a menudo llenas de pasión o tensión, ofrecen un espacio infinito para la imaginación, lo que hace que su obra sea muy codiciada como arte para adornar y completar los espacios más bellos, así como para campañas periódicas de gran repercusión.

A lo largo de su carrera, Drebin ha trabajado con particulares, celebridades de primer nivel y marcas de renombre mundial como Mercedes, American Express, Adidas, The May Fair Hotel, MTV, Nike, Breil, Sony, Davidoff y muchas más. Ha colaborado con publicaciones de primer orden como Vanity Fair, New York Times Magazine, Rolling Stone, GQ, Condé Nast Traveler, National Geographic y ELLE.

A lo largo de los años, su característico estilo cinematográfico ha evolucionado hacia otras formas artísticas, como las cajas de luz, las instalaciones de neón, el grabado sobre cristal Starfire y, más recientemente, la revolucionaria «escultura fotográfica», en la que transforma a sus icónicas musas y mujeres fatales en impresionantes obras maestras de arte en 3D de alta definición.

Brendan Murphy (n. 1971) es un artista contemporáneo reconocido a nivel mundial, conocido por su icónica obra «Spaceman» y por sus estilos abstractos y figurativos, que dan lugar a pinturas abstractas cautivadoras y cargadas de emoción. Combinando arte, ciencia y filosofía, Murphy explora el amor, el potencial humano y los patrones que dan forma a nuestras vidas. Su obra crea un diálogo humano con múltiples capas a través de símbolos sin significados directos, dejando sus obras abiertas a la interpretación del espectador. 

La historia de Murphy comienza en Wall Street, pero tras los atentados del 11 de septiembre decidió dedicarse al arte y dejó atrás Wall Street. Estudió con artistas neoyorquinos como Eric Fischl, David Salle y Ross Bleckner. 

En la actualidad, Brendan Murphy trabaja desde su estudio de Miami, donde los coleccionistas y comisarios pueden ver obras originales con cita previa. Galerías de primer orden, como Art Angels, ofrecen acceso exclusivo a los nuevos lanzamientos, información sobre precios y preestrenos privados.

Terry O’Neill es uno de los fotógrafos más coleccionados del mundo, y sus obras se exponen en galerías de arte nacionales y colecciones privadas de todo el mundo. Desde presidentes hasta estrellas del pop, lleva más de seis décadas fotografiando a las figuras más destacadas del mundo del espectáculo.

O’Neill comenzó su carrera a principios de la década de 1960. Mientras otros fotógrafos se centraban en los terremotos, las guerras y la política, O’Neill se dio cuenta de que la cultura juvenil era una noticia de última hora a escala mundial y comenzó a retratar a las nuevas figuras del cine, la moda y la música que acabarían definiendo los «Swinging Sixties». En 1965 ya recibía encargos de las revistas y periódicos más importantes del mundo.

Ningún otro fotógrafo vivo ha abarcado un abanico tan amplio de personajes famosos, captando a los iconos de nuestra época, desde Winston Churchill hasta Nelson Mandela, desde Frank Sinatra y Elvis hasta Amy Winehouse, desde Audrey Hepburn y Brigitte Bardot hasta Nicole Kidman, así como a todos los James Bond, desde Sean Connery hasta Daniel Craig.

Fotografió a The Beatles y a The Rolling Stones cuando aún eran bandas jóvenes que luchaban por abrirse camino en 1963; fue pionero en la fotografía de reportaje entre bastidores con David Bowie, Elton John, The Who, Eric Clapton y Chuck Berry, y sus imágenes han adornado álbumes históricos de rock, carteles de cine y portadas de revistas internacionales.

La historia de un talento comenzó tras la caída del Muro de Berlín. A través de su llamativo simbolismo, Michael Moebius aporta una nueva dimensión a los iconos de la cultura popular, añadiendo pompas de chicle de colores vivos a retratos monocromáticos y creando una nueva forma de transmitir emociones.

Michael Moebius vino al mundo en 1968, en Alemania. Tras desarrollar su amor por el arte desde muy temprana edad, el cómic se convirtió en su primera pasión. Sin embargo, en la entonces Alemania Oriental comunista, lo habitual era dedicarse a actividades más pragmáticas. El arte tendría que quedar en un segundo plano mientras cursaba sus estudios, y Michael se decantó por una carrera en ingeniería y construcción. Fue durante un periodo en el que trabajaba en un campo afín, el de la ilustración arquitectónica, cuando Michael se topó con un libro que recogía las ilustraciones de Alberto Vargas. Así surgió una nueva pasión, y Michael decidió que el arte figurativo sería el trabajo de su vida.

Comenzó a estudiar pintura en la Academia de Bellas Artes de Dresde y, en 1998, dio un gran salto adelante. Fue en esa época, tras la caída del Muro de Berlín, cuando Michel pudo viajar a Estados Unidos. Su talento como pintor y fotógrafo saltaba a la vista, y rápidamente se convirtió en uno de los artistas más solicitados por los coleccionistas. Michael ya ha participado en importantes exposiciones por todo Estados Unidos. Entre sus coleccionistas y editoriales se encuentran Playboy, Procter & Gamble, Laura Biagiotti, Vogue, Vanity Fair, Superyacht Digest y otras empresas de renombre.

Su trabajo también ha llamado la atención de famosos como Mel Gibson, Paris Hilton, Hugh Hefner, Rihanna, David Guetta y Gene Simmons, líder del grupo KISS.

Michael Moebius demuestra un enorme talento a la hora de darle la vuelta al arte pop y a la cultura popular. Hoy en día, Moebius se ha convertido en uno de los artistas contemporáneos más reconocidos y solicitados del mundo. Sus ya famosos retratos «bubble gum» se han convertido en los favoritos de diseñadores de interiores e inversores de todo el mundo gracias a su llamativo simbolismo.

A diferencia de sus pompas de chicle, el valor del artista sigue aumentando y no da señales de desinflarse. Las habilidades comerciales de Moebius y sus colaboraciones con algunas de las figuras más populares del mundo lo convierten en un nombre de peso en el mundo de la inversión en arte.

Lo más destacado es que Michael Moebius aporta una nueva dimensión a los iconos de la cultura popular, añadiendo pompas de chicle de colores vivos a retratos monocromáticos. Marilyn Monroe, Audrey Hepburn y Su Majestad la reina Isabel han sido reinterpretadas con este estilo, hasta su última obra («All you need is gum»), en la que representa a los cuatro Beatles con sus características pompas de chicle.

En cuanto a sus influencias artísticas, Moebius cita como fuentes de inspiración al artista renacentista italiano Tiziano y al genio barroco Caravaggio, así como a figuras más contemporáneas como Andy Warhol, Pablo Picasso y Alberto Vargas.

Su original interpretación de temas muy recurrentes convierte las obras «bubblegum» de Moebius en una de las opciones favoritas para la inversión en arte. Su arte también sirve como una ventana a su personalidad y su visión creativa.

Lo más interesante es el contraste entre los ideales comunistas que influyeron en el artista (Michael nació en 1968, cuando Alemania aún estaba dividida en dos por el Muro de Berlín) y los valores occidentales y la cultura popular.

Moebius tomó conciencia de las diferencias culturales entre su país y el resto del mundo, y esta incongruencia desempeña un papel importante en su arte actual.

«Casi todos los artículos que recibíamos de la parte occidental del mundo, como revistas, juguetes o latas de refresco, estaban prohibidos en Berlín Oriental. De niño, mientras crecía, me aferraba con cariño a esos objetos que entonces estaban prohibidos… Me marcaron mucho con sus colores, diseños y aromas».

Cuanto más se le presionaba a Michael Moebius para que se ajustara a los ideales comunistas, más se enamoraba de la cultura popular occidental y más se sentía impulsado a crear. Tras su alistamiento en el ejército de Alemania Oriental y, posteriormente, la caída del Muro de Berlín, viajó a Estados Unidos para dedicar su vida por completo al arte.

Terry O’Neill es uno de los fotógrafos más coleccionados del mundo, y sus obras se exponen en galerías de arte nacionales y colecciones privadas de todo el mundo. Desde presidentes hasta estrellas del pop, lleva más de seis décadas fotografiando a las figuras más destacadas del mundo del espectáculo.

O’Neill comenzó su carrera a principios de la década de 1960. Mientras otros fotógrafos se centraban en los terremotos, las guerras y la política, O’Neill se dio cuenta de que la cultura juvenil era una noticia de última hora a escala mundial y comenzó a retratar a las nuevas figuras del cine, la moda y la música que acabarían definiendo los «Swinging Sixties». En 1965 ya recibía encargos de las revistas y periódicos más importantes del mundo.

Ningún otro fotógrafo vivo ha abarcado un abanico tan amplio de personajes famosos, captando a los iconos de nuestra época, desde Winston Churchill hasta Nelson Mandela, desde Frank Sinatra y Elvis hasta Amy Winehouse, desde Audrey Hepburn y Brigitte Bardot hasta Nicole Kidman, así como a todos los James Bond, desde Sean Connery hasta Daniel Craig.

Fotografió a The Beatles y a The Rolling Stones cuando aún eran bandas jóvenes que luchaban por abrirse camino en 1963; fue pionero en la fotografía de reportaje entre bastidores con David Bowie, Elton John, The Who, Eric Clapton y Chuck Berry, y sus imágenes han adornado álbumes históricos de rock, carteles de cine y portadas de revistas internacionales.

Brendan Murphy (n. 1971) es un artista contemporáneo reconocido a nivel mundial, conocido por su icónica obra «Spaceman» y por sus estilos abstractos y figurativos, que dan lugar a pinturas abstractas cautivadoras y cargadas de emoción. Combinando arte, ciencia y filosofía, Murphy explora el amor, el potencial humano y los patrones que dan forma a nuestras vidas. Su obra crea un diálogo humano con múltiples capas a través de símbolos sin significados directos, dejando sus obras abiertas a la interpretación del espectador. 

La historia de Murphy comienza en Wall Street, pero tras los atentados del 11 de septiembre decidió dedicarse al arte y dejó atrás Wall Street. Estudió con artistas neoyorquinos como Eric Fischl, David Salle y Ross Bleckner. 

En la actualidad, Brendan Murphy trabaja desde su estudio de Miami, donde los coleccionistas y comisarios pueden ver obras originales con cita previa. Galerías de primer orden, como Art Angels, ofrecen acceso exclusivo a los nuevos lanzamientos, información sobre precios y preestrenos privados.

Las obras originales de Russell Young están a la venta en la galería Art Angels, que ofrece auténticas piezas de arte contemporáneo con envío a todo el mundo desde nuestras sedes de Los Ángeles y Miami.

Russell Young nació en 1959 en Yorkshire, donde fue enviado inmediatamente a una familia de acogida y, posteriormente, a un convento, y fue adoptado antes de cumplir un año. Nadie sabía quiénes eran exactamente sus padres biológicos, aunque corrían rumores de que su madre tenía catorce años y que su padre era italiano. En el norte de Inglaterra, pasó gran parte de su tiempo trasladándose de pueblo en pueblo y llevando una vida aislada. Allí tomó sus primeras fotografías de pájaros en el césped, pero la película salió completamente negra.

Sin muchas perspectivas más allá de trabajar en las ciudades industriales, Young mintió sobre su edad para poder estudiar en la escuela de arte a los quince años. De no haberlo hecho, lo más probable es que hubiera acabado en las calles de Londres y hubiera muerto. Se mudó a la capital cinco años más tarde y llamó la atención del fotógrafo Christos Raftopoulos, a quien ayudó durante varios años. Raftopoulos le mostró a Young otra faceta de sí mismo: le construyó su propio cuarto oscuro, le llevó a la ópera y le mostró arte contemporáneo que más tarde influiría en las obras originales que hoy se ponen a la venta.

Young siguió fotografiando a famosos y dirigiendo vídeos musicales, lo que finalmente le llevó a Estados Unidos. La estética de estrella del rock que había esgrimido en su fotografía se trasladó a sus primeras serigrafías, realizadas en la década de 2000, obras que los coleccionistas de arte contemporáneo buscan ahora en galerías de todo el mundo. Su primera serie, «Pig Portraits», expuesta en Los Ángeles en 2003, reunía las infames fotos policiales (reales y escenificadas) de famosos que, aunque bañados por la fama y el monocromo, se mostraban también sobrios como consecuencia de sus actos. En su siguiente serie, «Dirty Pretty Things», Russell Young creó obras originales que consolidaron su reputación en el mundo del arte contemporáneo.

Echa un vistazo a las obras de arte contemporáneo de Russell Young disponibles en la galería Art Angels. Ponte en contacto con nuestras galerías de Los Ángeles y Miami para solicitar información sobre la adquisición de obras originales y auténticas de Russell Young; ofrecemos un servicio de envío seguro a todo el mundo para coleccionistas de cualquier lugar.

Brendan Murphy (n. 1971) es un artista contemporáneo reconocido a nivel mundial, conocido por su icónica obra «Spaceman» y por sus estilos abstractos y figurativos, que dan lugar a pinturas abstractas cautivadoras y cargadas de emoción. Combinando arte, ciencia y filosofía, Murphy explora el amor, el potencial humano y los patrones que dan forma a nuestras vidas. Su obra crea un diálogo humano con múltiples capas a través de símbolos sin significados directos, dejando sus obras abiertas a la interpretación del espectador. 

La historia de Murphy comienza en Wall Street, pero tras los atentados del 11 de septiembre decidió dedicarse al arte y dejó atrás Wall Street. Estudió con artistas neoyorquinos como Eric Fischl, David Salle y Ross Bleckner. 

En la actualidad, Brendan Murphy trabaja desde su estudio de Miami, donde los coleccionistas y comisarios pueden ver obras originales con cita previa. Galerías de primer orden, como Art Angels, ofrecen acceso exclusivo a los nuevos lanzamientos, información sobre precios y preestrenos privados.

David Drebin, fotógrafo y artista multidisciplinar de renombre internacional afincado en Nueva York, es conocido por crear espectaculares imágenes de motivos deslumbrantes, entre las que se incluyen fotografías que cuentan una historia, escenas voyeurísticas con personas y paisajes urbanos oníricos que evocan emociones, perspectivas psicológicas y reflexiones profundas sobre la propia imaginación y las experiencias de los espectadores.

Su obra suele describirse como épica, espectacular, dramática, cinematográfica, onírica, imaginativa, inteligente, sensual, elegante, inesperada y, a veces, incluso divertida; ofrece algo para todos los gustos, ya que atrae tanto a los nuevos amantes del arte como a los coleccionistas más sofisticados.

Licenciado por la Parsons School of Design, David comenzó su carrera en la fotografía comercial y pronto se labró un nombre al adentrarse en el mundo de las bellas artes contemporáneas. Su visión única, su profundidad característica y sus imágenes, a menudo llenas de pasión o tensión, ofrecen un espacio infinito para la imaginación, lo que hace que su obra sea muy codiciada como arte para adornar y completar los espacios más bellos, así como para campañas periódicas de gran repercusión.

A lo largo de su carrera, Drebin ha trabajado con particulares, celebridades de primer nivel y marcas de renombre mundial como Mercedes, American Express, Adidas, The May Fair Hotel, MTV, Nike, Breil, Sony, Davidoff y muchas más. Ha colaborado con publicaciones de primer orden como Vanity Fair, New York Times Magazine, Rolling Stone, GQ, Condé Nast Traveler, National Geographic y ELLE.

A lo largo de los años, su característico estilo cinematográfico ha evolucionado hacia otras formas artísticas, como las cajas de luz, las instalaciones de neón, el grabado sobre cristal Starfire y, más recientemente, la revolucionaria «escultura fotográfica», en la que transforma a sus icónicas musas y mujeres fatales en impresionantes obras maestras de arte en 3D de alta definición.

Originario de París, Francia, Roman Feral se ha labrado un nombre en el panorama internacional del arte contemporáneo. Su obra rinde homenaje a las marcas de lujo y pone de relieve la belleza de la naturaleza, inspirándose en los códigos de la industria de la moda y en su bagaje cultural.

Al más puro estilo de un auténtico alquimista, Roman busca plasmar la sensación de refinamiento y la esencia más preciada de los iconos del lujo, seleccionados a mano, mediante una de las joyas más delicadas de la naturaleza: las mariposas. Al hacerlas volar, crea la ilusión de un vuelo infinito, en equilibrio y suspendidas de tal manera que otorga a las delicadas mariposas la vida eterna.

En 2020, presentó su primera escultura de bronce, creada en colaboración con la prestigiosa fundición Bocquel Art, que cuenta con una larga trayectoria de colaboración con maestros modernos como César y Arman. Cada pieza, única en su género, presenta mariposas de bronce dispuestas con gran minuciosidad. Los icónicos artículos de moda utilizados se recrean con el máximo detalle. El resultado final requiere más de 90 horas de pulido a mano y más de 30 kilos de bronce para su realización.

Exhibió su primera colección en Art Basel Miami Beach en 2018, lo que le valió el reconocimiento internacional de coleccionistas y profesionales del sector, lo que a su vez le abrió las puertas a exposiciones en las galerías más destacadas de todo el mundo. Roman Feral también cuenta con el reconocimiento de las marcas más prestigiosas del sector del lujo: CHANEL adquirió su escultura «Coffre Chanel Azur» y la incorporó a su colección privada y a su patrimonio.

La historia de un talento comenzó tras la caída del Muro de Berlín. A través de su llamativo simbolismo, Michael Moebius aporta una nueva dimensión a los iconos de la cultura popular, añadiendo pompas de chicle de colores vivos a retratos monocromáticos y creando una nueva forma de transmitir emociones.

Michael Moebius vino al mundo en 1968, en Alemania. Tras desarrollar su amor por el arte desde muy temprana edad, el cómic se convirtió en su primera pasión. Sin embargo, en la entonces Alemania Oriental comunista, lo habitual era dedicarse a actividades más pragmáticas. El arte tendría que quedar en un segundo plano mientras cursaba sus estudios, y Michael se decantó por una carrera en ingeniería y construcción. Fue durante un periodo en el que trabajaba en un campo afín, el de la ilustración arquitectónica, cuando Michael se topó con un libro que recogía las ilustraciones de Alberto Vargas. Así surgió una nueva pasión, y Michael decidió que el arte figurativo sería el trabajo de su vida.

Comenzó a estudiar pintura en la Academia de Bellas Artes de Dresde y, en 1998, dio un gran salto adelante. Fue en esa época, tras la caída del Muro de Berlín, cuando Michel pudo viajar a Estados Unidos. Su talento como pintor y fotógrafo saltaba a la vista, y rápidamente se convirtió en uno de los artistas más solicitados por los coleccionistas. Michael ya ha participado en importantes exposiciones por todo Estados Unidos. Entre sus coleccionistas y editoriales se encuentran Playboy, Procter & Gamble, Laura Biagiotti, Vogue, Vanity Fair, Superyacht Digest y otras empresas de renombre.

Su trabajo también ha llamado la atención de famosos como Mel Gibson, Paris Hilton, Hugh Hefner, Rihanna, David Guetta y Gene Simmons, líder del grupo KISS.

Michael Moebius demuestra un enorme talento a la hora de darle la vuelta al arte pop y a la cultura popular. Hoy en día, Moebius se ha convertido en uno de los artistas contemporáneos más reconocidos y solicitados del mundo. Sus ya famosos retratos «bubble gum» se han convertido en los favoritos de diseñadores de interiores e inversores de todo el mundo gracias a su llamativo simbolismo.

A diferencia de sus pompas de chicle, el valor del artista sigue aumentando y no da señales de desinflarse. Las habilidades comerciales de Moebius y sus colaboraciones con algunas de las figuras más populares del mundo lo convierten en un nombre de peso en el mundo de la inversión en arte.

Lo más destacado es que Michael Moebius aporta una nueva dimensión a los iconos de la cultura popular, añadiendo pompas de chicle de colores vivos a retratos monocromáticos. Marilyn Monroe, Audrey Hepburn y Su Majestad la reina Isabel han sido reinterpretadas con este estilo, hasta su última obra («All you need is gum»), en la que representa a los cuatro Beatles con sus características pompas de chicle.

En cuanto a sus influencias artísticas, Moebius cita como fuentes de inspiración al artista renacentista italiano Tiziano y al genio barroco Caravaggio, así como a figuras más contemporáneas como Andy Warhol, Pablo Picasso y Alberto Vargas.

Su original interpretación de temas muy recurrentes convierte las obras «bubblegum» de Moebius en una de las opciones favoritas para la inversión en arte. Su arte también sirve como una ventana a su personalidad y su visión creativa.

Lo más interesante es el contraste entre los ideales comunistas que influyeron en el artista (Michael nació en 1968, cuando Alemania aún estaba dividida en dos por el Muro de Berlín) y los valores occidentales y la cultura popular.

Moebius tomó conciencia de las diferencias culturales entre su país y el resto del mundo, y esta incongruencia desempeña un papel importante en su arte actual.

«Casi todos los artículos que recibíamos de la parte occidental del mundo, como revistas, juguetes o latas de refresco, estaban prohibidos en Berlín Oriental. De niño, mientras crecía, me aferraba con cariño a esos objetos que entonces estaban prohibidos… Me marcaron mucho con sus colores, diseños y aromas».

Cuanto más se le presionaba a Michael Moebius para que se ajustara a los ideales comunistas, más se enamoraba de la cultura popular occidental y más se sentía impulsado a crear. Tras su alistamiento en el ejército de Alemania Oriental y, posteriormente, la caída del Muro de Berlín, viajó a Estados Unidos para dedicar su vida por completo al arte.

Paul Rousso es un artista plástico estadounidense conocido por sus obras escultóricas, en las que transforma materiales impresos cotidianos —como billetes, revistas y periódicos— en obras de arte tridimensionales a gran escala. Utilizando principalmente acrílico moldeado al calor e impresión digital, Rousso crea objetos cotidianos con un realismo sorprendente y una gran profundidad escultórica. 

Rousso estudió en el California College of the Arts y comenzó su carrera en el diseño de escenarios y la publicidad, colaborando con grandes marcas y estudios cinematográficos. Entre sus primeros trabajos de diseño se incluyen proyectos para producciones de Hollywood y trabajos de diseño de interiores, como el loft del actor Robert De Niro en Tribeca.

Hoy en día, Rousso es ampliamente reconocido por sus esculturas de billetes de gran tamaño, que representan billetes de dólar arrugados y otras monedas internacionales en forma de obras murales monumentales. Estas obras combinan la estética del arte pop con una reflexión sobre la cultura de consumo, el valor y las imágenes de los medios de comunicación. 

Además de las esculturas con billetes, Rousso crea obras a gran escala inspiradas en revistas, periódicos y formas abstractas, en las que explora la relación entre los medios impresos, la memoria cultural y el lenguaje visual contemporáneo. 

Las obras de Paul Rousso se exponen a nivel internacional y forman parte de instalaciones públicas, galerías y colecciones privadas de toda Norteamérica, Europa, Oriente Medio y Asia.

La historia de un talento comenzó tras la caída del Muro de Berlín. A través de su llamativo simbolismo, Michael Moebius aporta una nueva dimensión a los iconos de la cultura popular, añadiendo pompas de chicle de colores vivos a retratos monocromáticos y creando una nueva forma de transmitir emociones.

Michael Moebius vino al mundo en 1968, en Alemania. Tras desarrollar su amor por el arte desde muy temprana edad, el cómic se convirtió en su primera pasión. Sin embargo, en la entonces Alemania Oriental comunista, lo habitual era dedicarse a actividades más pragmáticas. El arte tendría que quedar en un segundo plano mientras cursaba sus estudios, y Michael se decantó por una carrera en ingeniería y construcción. Fue durante un periodo en el que trabajaba en un campo afín, el de la ilustración arquitectónica, cuando Michael se topó con un libro que recogía las ilustraciones de Alberto Vargas. Así surgió una nueva pasión, y Michael decidió que el arte figurativo sería el trabajo de su vida.

Comenzó a estudiar pintura en la Academia de Bellas Artes de Dresde y, en 1998, dio un gran salto adelante. Fue en esa época, tras la caída del Muro de Berlín, cuando Michel pudo viajar a Estados Unidos. Su talento como pintor y fotógrafo saltaba a la vista, y rápidamente se convirtió en uno de los artistas más solicitados por los coleccionistas. Michael ya ha participado en importantes exposiciones por todo Estados Unidos. Entre sus coleccionistas y editoriales se encuentran Playboy, Procter & Gamble, Laura Biagiotti, Vogue, Vanity Fair, Superyacht Digest y otras empresas de renombre.

Su trabajo también ha llamado la atención de famosos como Mel Gibson, Paris Hilton, Hugh Hefner, Rihanna, David Guetta y Gene Simmons, líder del grupo KISS.

Michael Moebius demuestra un enorme talento a la hora de darle la vuelta al arte pop y a la cultura popular. Hoy en día, Moebius se ha convertido en uno de los artistas contemporáneos más reconocidos y solicitados del mundo. Sus ya famosos retratos «bubble gum» se han convertido en los favoritos de diseñadores de interiores e inversores de todo el mundo gracias a su llamativo simbolismo.

A diferencia de sus pompas de chicle, el valor del artista sigue aumentando y no da señales de desinflarse. Las habilidades comerciales de Moebius y sus colaboraciones con algunas de las figuras más populares del mundo lo convierten en un nombre de peso en el mundo de la inversión en arte.

Lo más destacado es que Michael Moebius aporta una nueva dimensión a los iconos de la cultura popular, añadiendo pompas de chicle de colores vivos a retratos monocromáticos. Marilyn Monroe, Audrey Hepburn y Su Majestad la reina Isabel han sido reinterpretadas con este estilo, hasta su última obra («All you need is gum»), en la que representa a los cuatro Beatles con sus características pompas de chicle.

En cuanto a sus influencias artísticas, Moebius cita como fuentes de inspiración al artista renacentista italiano Tiziano y al genio barroco Caravaggio, así como a figuras más contemporáneas como Andy Warhol, Pablo Picasso y Alberto Vargas.

Su original interpretación de temas muy recurrentes convierte las obras «bubblegum» de Moebius en una de las opciones favoritas para la inversión en arte. Su arte también sirve como una ventana a su personalidad y su visión creativa.

Lo más interesante es el contraste entre los ideales comunistas que influyeron en el artista (Michael nació en 1968, cuando Alemania aún estaba dividida en dos por el Muro de Berlín) y los valores occidentales y la cultura popular.

Moebius tomó conciencia de las diferencias culturales entre su país y el resto del mundo, y esta incongruencia desempeña un papel importante en su arte actual.

«Casi todos los artículos que recibíamos de la parte occidental del mundo, como revistas, juguetes o latas de refresco, estaban prohibidos en Berlín Oriental. De niño, mientras crecía, me aferraba con cariño a esos objetos que entonces estaban prohibidos… Me marcaron mucho con sus colores, diseños y aromas».

Cuanto más se le presionaba a Michael Moebius para que se ajustara a los ideales comunistas, más se enamoraba de la cultura popular occidental y más se sentía impulsado a crear. Tras su alistamiento en el ejército de Alemania Oriental y, posteriormente, la caída del Muro de Berlín, viajó a Estados Unidos para dedicar su vida por completo al arte.

Aunque un accidente que sufrió de niño le dejó con problemas de visión en un ojo, Lawrence Schiller se convirtió en un fotógrafo apasionado; incluso mientras estudiaba en la Universidad de Pepperdine, sus fotografías ya habían aparecido en Life, Sport, Playboy, Glamour y el Saturday Evening Post.

Los intereses y ambiciones de Schiller pronto se convirtieron en una profesión en el periodismo escrito, en la que cubrió noticias de gran relevancia para revistas de prestigio de todo el mundo, entre ellas *Life*, *Look*, *Newsweek*, *Time*, *Paris Match*, *Stern* y el *Sunday Times* de Londres. Sus icónicas imágenes de Robert F. Kennedy, Richard Nixon, Bette Davis, Barbra Streisand, Marilyn Monroe, Muhammad Ali y Madame Nhu, entre otros, son un tributo a su tenacidad, ingenio y encanto, así como a su destreza técnica.

En noviembre de 1963, mientras trabajaba para el Saturday Evening Post, llegó a Dallas a tiempo para fotografiar a Lee Harvey Oswald. Más tarde, consiguió la última entrevista a Jack Ruby. Tras realizar extensas entrevistas a la viuda de Lenny Bruce en 1968, Schiller y el escritor Albert Goldman publicaron *Ladies and Gentlemen, Lenny Bruce* (1974); y, junto con el fotógrafo W. Eugene Smith, produjo *Minamata* (1975), la épica crónica fotográfica del envenenamiento por mercurio en Japón.

Schiller dio el salto al cine dirigiendo parte de *Butch Cassidy and the Sundance Kid* (1969), protagonizada por Paul Newman y Robert Redford, y de *Lady Sings the Blues* (1972), con Diana Ross. En 1971, produjo y codirigió junto a L. M. Kit Carson el aclamado documental *The American Dreamer*, sobre Dennis Hopper. Su dirección editorial de *The Man Who Skied Down Everest* (1972) le valió a su productor un Óscar al mejor largometraje documental. Tras conseguir una colaboración extraordinaria por parte del Kremlin, en 1986 fue productor ejecutivo y codirector de *Peter the Great*, la miniserie de televisión ganadora de un premio Emmy protagonizada por Maximilian Schell, Vanessa Redgrave y Laurence Olivier.

Sin embargo, quizá nada en la carrera de Schiller resultara más notable que su colaboración con Norman Mailer —una amistad única en la historia literaria estadounidense—. Durante casi treinta y cinco años, ambos trabajaron en estrecha colaboración en libros como *Marilyn* (1973), *The Faith of Graffiti* (1974), *Oswald’s Tale* (1995), *Into the Mirror* (2002) y *The Executioner’s Song* (1979), por el que Mailer ganó el Premio Pulitzer. Schiller, quien concibió el proyecto, se encargó de gran parte del trabajo de campo, las entrevistas y la investigación para el libro, al tiempo que se adelantó a numerosos otros periodistas para conseguir acceso exclusivo al protagonista de la obra, Gary Gilmore, y posteriormente produjo y dirigió la galardonada miniserie de televisión basada en ella, protagonizada por Tommy Lee Jones.

Schiller se integró en el llamado «Dream Team» que defendió a O. J. Simpson y, gracias a su perspectiva única como conocedor de primera mano del caso, coescribió (junto con James Willwerth) el éxito de ventas número uno del *New York Times*, *American Tragedy* (1996). Sus reportajes sobre el comportamiento antisocial pronto se convirtieron en la base de numerosos libros, películas y documentales para televisión, muchos de los cuales él mismo produjo y dirigió.

Schiller ha sido asesor de NBC News, de la Fundación de la Biblioteca John F. Kennedy y de los Estudios Annie Leibovitz, entre muchos otros archivos fotográficos; además, ha escrito para *The New Yorker*, *The Daily Beast* y otras publicaciones. Tras la muerte de Norman Mailer, en 2008, Schiller fue nombrado presidente y cofundador del Norman Mailer Center and Writer’s Colony en Provincetown, Massachusetts. En la actualidad es consultor y asesor de diversos patrimonios y fideicomisos en materia de monetización y conservación del legado de figuras destacadas de Estados Unidos.

La historia de un talento comenzó tras la caída del Muro de Berlín. A través de su llamativo simbolismo, Michael Moebius aporta una nueva dimensión a los iconos de la cultura popular, añadiendo pompas de chicle de colores vivos a retratos monocromáticos y creando una nueva forma de transmitir emociones.

Michael Moebius vino al mundo en 1968, en Alemania. Tras desarrollar su amor por el arte desde muy temprana edad, el cómic se convirtió en su primera pasión. Sin embargo, en la entonces Alemania Oriental comunista, lo habitual era dedicarse a actividades más pragmáticas. El arte tendría que quedar en un segundo plano mientras cursaba sus estudios, y Michael se decantó por una carrera en ingeniería y construcción. Fue durante un periodo en el que trabajaba en un campo afín, el de la ilustración arquitectónica, cuando Michael se topó con un libro que recogía las ilustraciones de Alberto Vargas. Así surgió una nueva pasión, y Michael decidió que el arte figurativo sería el trabajo de su vida.

Comenzó a estudiar pintura en la Academia de Bellas Artes de Dresde y, en 1998, dio un gran salto adelante. Fue en esa época, tras la caída del Muro de Berlín, cuando Michel pudo viajar a Estados Unidos. Su talento como pintor y fotógrafo saltaba a la vista, y rápidamente se convirtió en uno de los artistas más solicitados por los coleccionistas. Michael ya ha participado en importantes exposiciones por todo Estados Unidos. Entre sus coleccionistas y editoriales se encuentran Playboy, Procter & Gamble, Laura Biagiotti, Vogue, Vanity Fair, Superyacht Digest y otras empresas de renombre.

Su trabajo también ha llamado la atención de famosos como Mel Gibson, Paris Hilton, Hugh Hefner, Rihanna, David Guetta y Gene Simmons, líder del grupo KISS.

Michael Moebius demuestra un enorme talento a la hora de darle la vuelta al arte pop y a la cultura popular. Hoy en día, Moebius se ha convertido en uno de los artistas contemporáneos más reconocidos y solicitados del mundo. Sus ya famosos retratos «bubble gum» se han convertido en los favoritos de diseñadores de interiores e inversores de todo el mundo gracias a su llamativo simbolismo.

A diferencia de sus pompas de chicle, el valor del artista sigue aumentando y no da señales de desinflarse. Las habilidades comerciales de Moebius y sus colaboraciones con algunas de las figuras más populares del mundo lo convierten en un nombre de peso en el mundo de la inversión en arte.

Lo más destacado es que Michael Moebius aporta una nueva dimensión a los iconos de la cultura popular, añadiendo pompas de chicle de colores vivos a retratos monocromáticos. Marilyn Monroe, Audrey Hepburn y Su Majestad la reina Isabel han sido reinterpretadas con este estilo, hasta su última obra («All you need is gum»), en la que representa a los cuatro Beatles con sus características pompas de chicle.

En cuanto a sus influencias artísticas, Moebius cita como fuentes de inspiración al artista renacentista italiano Tiziano y al genio barroco Caravaggio, así como a figuras más contemporáneas como Andy Warhol, Pablo Picasso y Alberto Vargas.

Su original interpretación de temas muy recurrentes convierte las obras «bubblegum» de Moebius en una de las opciones favoritas para la inversión en arte. Su arte también sirve como una ventana a su personalidad y su visión creativa.

Lo más interesante es el contraste entre los ideales comunistas que influyeron en el artista (Michael nació en 1968, cuando Alemania aún estaba dividida en dos por el Muro de Berlín) y los valores occidentales y la cultura popular.

Moebius tomó conciencia de las diferencias culturales entre su país y el resto del mundo, y esta incongruencia desempeña un papel importante en su arte actual.

«Casi todos los artículos que recibíamos de la parte occidental del mundo, como revistas, juguetes o latas de refresco, estaban prohibidos en Berlín Oriental. De niño, mientras crecía, me aferraba con cariño a esos objetos que entonces estaban prohibidos… Me marcaron mucho con sus colores, diseños y aromas».

Cuanto más se le presionaba a Michael Moebius para que se ajustara a los ideales comunistas, más se enamoraba de la cultura popular occidental y más se sentía impulsado a crear. Tras su alistamiento en el ejército de Alemania Oriental y, posteriormente, la caída del Muro de Berlín, viajó a Estados Unidos para dedicar su vida por completo al arte.

David Drebin, fotógrafo y artista multidisciplinar de renombre internacional afincado en Nueva York, es conocido por crear espectaculares imágenes de motivos deslumbrantes, entre las que se incluyen fotografías que cuentan una historia, escenas voyeurísticas con personas y paisajes urbanos oníricos que evocan emociones, perspectivas psicológicas y reflexiones profundas sobre la propia imaginación y las experiencias de los espectadores.

Su obra suele describirse como épica, espectacular, dramática, cinematográfica, onírica, imaginativa, inteligente, sensual, elegante, inesperada y, a veces, incluso divertida; ofrece algo para todos los gustos, ya que atrae tanto a los nuevos amantes del arte como a los coleccionistas más sofisticados.

Licenciado por la Parsons School of Design, David comenzó su carrera en la fotografía comercial y pronto se labró un nombre al adentrarse en el mundo de las bellas artes contemporáneas. Su visión única, su profundidad característica y sus imágenes, a menudo llenas de pasión o tensión, ofrecen un espacio infinito para la imaginación, lo que hace que su obra sea muy codiciada como arte para adornar y completar los espacios más bellos, así como para campañas periódicas de gran repercusión.

A lo largo de su carrera, Drebin ha trabajado con particulares, celebridades de primer nivel y marcas de renombre mundial como Mercedes, American Express, Adidas, The May Fair Hotel, MTV, Nike, Breil, Sony, Davidoff y muchas más. Ha colaborado con publicaciones de primer orden como Vanity Fair, New York Times Magazine, Rolling Stone, GQ, Condé Nast Traveler, National Geographic y ELLE.

A lo largo de los años, su característico estilo cinematográfico ha evolucionado hacia otras formas artísticas, como las cajas de luz, las instalaciones de neón, el grabado sobre cristal Starfire y, más recientemente, la revolucionaria «escultura fotográfica», en la que transforma a sus icónicas musas y mujeres fatales en impresionantes obras maestras de arte en 3D de alta definición.

Las obras originales de Russell Young están a la venta en la galería Art Angels, que ofrece auténticas piezas de arte contemporáneo con envío a todo el mundo desde nuestras sedes de Los Ángeles y Miami.

Russell Young nació en 1959 en Yorkshire, donde fue enviado inmediatamente a una familia de acogida y, posteriormente, a un convento, y fue adoptado antes de cumplir un año. Nadie sabía quiénes eran exactamente sus padres biológicos, aunque corrían rumores de que su madre tenía catorce años y que su padre era italiano. En el norte de Inglaterra, pasó gran parte de su tiempo trasladándose de pueblo en pueblo y llevando una vida aislada. Allí tomó sus primeras fotografías de pájaros en el césped, pero la película salió completamente negra.

Sin muchas perspectivas más allá de trabajar en las ciudades industriales, Young mintió sobre su edad para poder estudiar en la escuela de arte a los quince años. De no haberlo hecho, lo más probable es que hubiera acabado en las calles de Londres y hubiera muerto. Se mudó a la capital cinco años más tarde y llamó la atención del fotógrafo Christos Raftopoulos, a quien ayudó durante varios años. Raftopoulos le mostró a Young otra faceta de sí mismo: le construyó su propio cuarto oscuro, le llevó a la ópera y le mostró arte contemporáneo que más tarde influiría en las obras originales que hoy se ponen a la venta.

Young siguió fotografiando a famosos y dirigiendo vídeos musicales, lo que finalmente le llevó a Estados Unidos. La estética de estrella del rock que había esgrimido en su fotografía se trasladó a sus primeras serigrafías, realizadas en la década de 2000, obras que los coleccionistas de arte contemporáneo buscan ahora en galerías de todo el mundo. Su primera serie, «Pig Portraits», expuesta en Los Ángeles en 2003, reunía las infames fotos policiales (reales y escenificadas) de famosos que, aunque bañados por la fama y el monocromo, se mostraban también sobrios como consecuencia de sus actos. En su siguiente serie, «Dirty Pretty Things», Russell Young creó obras originales que consolidaron su reputación en el mundo del arte contemporáneo.

Echa un vistazo a las obras de arte contemporáneo de Russell Young disponibles en la galería Art Angels. Ponte en contacto con nuestras galerías de Los Ángeles y Miami para solicitar información sobre la adquisición de obras originales y auténticas de Russell Young; ofrecemos un servicio de envío seguro a todo el mundo para coleccionistas de cualquier lugar.